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The Fender Precision

scorri il testo per la traduzione italiana

The Fender Precision Bass, wasn’t the first electric bass but without doubt it was the one that reached a commercial success and was used by many musicians. It set the standard for all the other electric basses, a synthesis between solid body guitar and double bass. Horizontally played and fretted like a guitar but with four strigs tuned in the same octave of double bass, plus it of amplified so the bass lines could be heard better and the improve the support the any musical situation.

The standard 34-inch scale was the result of a balance between the solid body guitar and the double bass scales. It is necessary to recite the short history of Leo Fender and his creation.

Clarence Leo Fender was born in 1909 in California, and with his partner George Fullerton, Fender made and produced the first solid body guitar, then he created and developed the Precision Bass.

Fender wasn’t a musician, but he was very sensitive to musicians’ complaints and suggestions. In late 1940 guitar players needed to play double bass too in order to find more job opportunities as the popular dance band were forced to downsize during World War II; these bands were reduced to their essentials.

The problem was solved thanks to the crearion of an instгumеnt with 20-fret maple neck, botled to a slab ash body, painted in a Palermo yellow color, four big-key Kluson tuners and a four pole single coil pickup, the Fender Precision Bass.

For guitar players, this was the solution to their problems; now they could easily double guitar with electric bass. The Fender Precision was a lighter instrument tuned like the double bass (or like the four lower guitar strings one octave below) and primarily with frets; thus the name ” Precision”.

Among the bassists who first used the Fender Precision Bass we find Joel Prices (Country music bass player) and Roy Johnson (Lionel Hampton Band).

Lionel Hampton liked the sound and the volume of the Precision Bass, so when Johnson left the band, his substitute, Monk Montgomery, that was a double bass player, had to learn how to play it.

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Il Fender Precision Bass, non è stato il primo basso elettrico ma senza dubbio è stato quello che ha raggiunto un successo commerciale ed è stato utilizzato da molti musicisti. Ha fissato lo standard per tutti gli altri bassi elettrici, una sintesi tra chitarra solid body e contrabbasso. Suonato orizzontalmente e suonato come una chitarra ma con quattro corde accordate nella stessa ottava del contrabbasso, in più amplificato in modo da poter ascoltare meglio le linee di basso e migliorare il supporto in qualsiasi situazione musicale.

La scala standard da 34 pollici era il risultato di un equilibrio tra la chitarra a corpo solido e le scale del contrabbasso. È necessario raccontare la breve storia di Leo Fender e delle sue creazioni.

Clarence Leo Fender è nato nel 1909 in California e con il suo partner George Fullerton, Fender ha realizzato e prodotto la prima chitarra solid body, poi ha creato e sviluppato il Precision Bass.

Fender non era un musicista, ma era molto sensibile alle lamentele e ai suggerimenti dei musicisti. Alla fine del 1940 i chitarristi dovevano suonare anche il contrabbasso per trovare maggiori opportunità di lavoro poiché la classica band da ballo fu costretta a ridimensionarsi durante la seconda guerra mondiale; queste band sono state ridotte all’essenziale.

Il problema è stato risolto grazie alla creazione di uno strumento con manico in acero a 20 tasti, abbinato a un corpo in lastra di frassino, verniciato in un colore giallo , quattro chiavi Kluson big-key e un pickup single coil a quattro poli, il Fender Precision Bass .

Per i chitarristi, questa era la soluzione ai loro problemi; ora potevano facilmente usare la chitarra e il basso elettrico. Il Fender Precision era uno strumento più leggero accordato come il contrabbasso (o come le quattro corde della chitarra inferiori un’ottava sotto) e principalmente con i tasti; da qui il nome “Precision”.

Tra i bassisti che per primi hanno utilizzato il Fender Precision Bass troviamo Joel Price (bassista di musica country) e Roy Johnson (Lionel Hampton Band).

A Lionel Hampton piaceva il suono e il volume del Precision Bass, quindi quando Johnson lasciò la band, il suo sostituto, Monk Montgomery, che era un contrabbassista, dovette imparare a suonarlo.

Double Bass and Electric Bass: a short story

As a member of the violin family, the double bass was born in the 16th century. These instruments were built to sound loud, in contrast to a less assertive sound of the viols.

Some experts controversially assert that the double bass is a member of the viol family.

After the violin family gained a stronger footold in the orchestral setting, some of the discarded viols were converted and adapted to violin specifications.

Initially the double bass was a three stringed instrument and up to the best part of the 18th century it was tuned in fifths (CGDA or GDA for three string version) and then passed to a fourth tuning ( EADG or ADG for the three string version); this change simplified technical execution and improved the tuning accuracy.

One of the most important players who helped this process was the italian virtuoso Domenico Dragonetti.

As a bowed instrument there are two main kind of bows that remained in use after almost five centuries of evolution, the German bow, that is played palm up and the French bow, that is played palm down like the violin bow.

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Introducing Jazz Double Bass

The double bass was first used in ragtime orchestras played with a bow or by plucking the string. In the early jazz era the tuba playеd the bass parts; this choice was dictated by the fact that marching brass bands playеd in the streets and the tuba was more portable and louder than the double bass. The notes played then were normally root and fifth on beat one and three, the tuba player was breathing on beat two and four, the tuba player’s problems were endurance and technical agility. With the double bass it was possible to play more notes and sustain them for more time without the need to breath, and some players like John Lindsay, Pop Foster,Bill Johnson, Wellman Braud, Steve Brown and then Milt Hinton began to play some lines in all four beats, which gave the music a forward motion that the tuba could not create. More complex lines were easier to play on double bass and many techniques could be used by the players, including plucking, slapping and bowing. By the mid-1930s, the double bass definitely became the first choice to play bass lines in jazz band. Before 1940 many musicians played both tuba and double bass trying to increase work options, and the same thing happens nowadays with musicians who can proficiently play double bass and electric bass. The jazz double bass in the early days was normally strung with gut strings and with high action, so players could use some techniques that produced greater volume like slap.

The development of the instrument as a solo voice became clear with musicians like jimmy Blanton, Leroy “Slam” Stewart, who were playing both arco and pizzicato, displaying a highly developed technique and great facility of articulation. Later on the advent of bebop in the early 1940s led to further advances in jazz double bass playing thanks to Oscar Pettiford,Ray Brown, Paul Chambers first and then whit Red Callender and Charles Mingus.In the fifties, steel strings and new amplification devices opened new frontiers for the double bass player.In this search,players began to find new accompanying roles and to develop their technical skills as soloists.

Double jazz playегs started to use different tunings (Red Mitchell tuned his bass in fifth, an octave below the cello). Michell’s options results very interesting because this was the original double bass tuning. Other developments were about left and right hand technique: the classical Simandl lefth and position has been abandoned by some players who started to use electric bass fingering that allows musicians to play faster.In the right hand pizzicato style there was a revolution when musicians started to play whit two or three fingers that let them produce very fast lines.

Some of Bill Evans bass players such as Scott LaFaro, Gary Peacock, Eddie Gomez and later Marc Johnson were very effective in this field and Danish bassist Niels-Henning Orsted Pedersen was a great example of three fingers right hand technique. The legendary Ron Carter is one of the most recorded bassists of all time; his unique voice on the instrument, great time feel and personal sound made him a key figure in the development of jazz. After the fifties the double bass assumed a major solo status in free and avantgarde styles of jazz, with Dave Holland, Charlie Haden, Jimmy Garrison, Richard Davis, Barre Phillips, Miroslav Vitous, Eberhard Weber among others extended the potentiality of the double bass using harmonics, double stop, percussive methods of producing sounds on strings and body.

With the new amplified trasducers and effects, a whole new world of possibility has been opened to double bass players. Some of the most acclaimed contemporary names in jazz double bass playing are Stanley Clarke, Jhon Patitucci, Christian McBride, Avishai Cohen. All of them also play the electric bass.

The Electric Bass

In the early days jazz double bass players playеd without amplification; this is the reason why its percussive function was really important, more than the perfect tuning between notes. Double bass harmonic implications were subordinated to its rhythmic function. The double bass is a large instrument, difficult to carry, and hard to play in tune; all these facts created the will to build a more accurate instrument that could be amplified and fretted.

In 1951 Leo Fender built the “Fender Precision Bass”, which many believed to be the first electric bass built, but this information was not legitimate by historical facts.

In various cultures we can find the presence of instruments that inspired the creation of the modern electric bass,like the Russian balalaika, the Greek bass bouzouki or the Mexican guitarron among others.

The first instrument we can link to the modern electric bass is the Gibson Mandobass that was the largest member of the mandolin family. While some builders were creating large instruments to get a better bass sound, Lloyd Loar, who was a Gibson engineer, had a different idea and used electricity to make small instгumеnts sound louder.

In 1924 he built a prototype of a “stick” bass that was quite similar to the modern electric upright bass. The pickup was an electrostatic transducer mounted in a Bakelite box under the bridge.

Gibson didn’t like the idea, and when the project was rejected, Loar left the company to create the Vivi-Tone, where the product was never developed as well, but the idea to amplify the instrument was there and it was the right one. In 1930 appeared the Regal Bassoguitar,also a kind of electric upright, then the Dobro Resonator Bass and the Vega Electric Bass Viol. The Rickenbacker Electro Bass Viol had the particularity of a metal body and horseshoe-magnet pickup, it could be attached to the top of its amplifier and the endpin-to-amp connection also included the output jack. At the end of the 1930s Gibson made a model called Electric Bass Guitar that was similar to the modern electric bass. It was amplified with a pickup but it was vertically played; in fact it had an endpin.

Gibson made two of these prototypes; Les Paul’s bass player, Wally Kamin, played one of them. All these instruments were still vertically played like a double bass. Paul Tutmarc, a Hawaiian guitar player, teacher and creator of Audiovox, made and produced the first electric bass as we know today, the Model 736 Electronic Bass, solid body horizontally played.

In 1936 Audiovox built electric instгumеnts and Audiovox Model 736 Electronic Bass was one of them; one hundred pieces have been produced but it was ahead of its time and there was no commercial impact. Ten years later Paul’s son Bud built the Serenate String Bass that shared almost all the characteristic of the model 736, but it wasn’t a success either.

(Estratto della tesi di laurea di Massimo Cavalli)

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Traduzione Italiana

Come membro della famiglia dei violini, il contrabbasso è nato nel XVI secolo. Questi strumenti sono stati costruiti per suonare forte, in contrasto con un suono meno deciso delle viole.

Alcuni esperti affermano polemicamente che il contrabbasso è un membro della famiglia delle viole.

Dopo che la famiglia dei violini guadagnò un posto più solido nell’ambiente orchestrale, alcune delle viole scartate furono convertite e adattate alle specifiche del violino.

Inizialmente il contrabbasso era uno strumento a tre corde e fino alla prima metà del XVIII secolo veniva accordato in quinte (CGDA o GDA per la versione a tre corde) per poi passare ad una accordatura (EADG o ADG per la versione a tre corde) ; questa modifica ha semplificato l’esecuzione tecnica e ha migliorato la precisione della messa a punto.

Uno dei musicisti più importanti che hanno aiutato questo processo è stato il virtuoso italiano Domenico Dragonetti.

Come strumento ad arco ci sono due tipi principali di archi che sono rimasti in uso dopo quasi cinque secoli di evoluzione, l’arco tedesco, che si suona con il palmo verso l’alto e l’arco alla francese, che si suona con il palmo verso il basso come l’arco del violino.

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Introduzione del Contrabbasso jazz

Il contrabbasso è stato utilizzato per la prima volta nelle orchestre ragtime suonate con un arco o pizzicando le corde. Nella prima era del jazz la tuba suonava le parti di basso; questa scelta è stata dettata dal fatto che le bande di ottoni in marcia suonavano per le strade e la tuba era più portatile e più rumorosa del contrabbasso. Le note suonate allora erano normalmente la tonica e la quinta sui movimenti uno e tre, il suonatore di tuba respirava sui battiti due e quattro, i problemi del suonatore di tuba erano la resistenza e l’agilità tecnica. Con il contrabbasso era possibile suonare più note e sostenerle per più tempo senza bisogno di respirare, e alcuni musicisti come John Lindsay, Pop Foster, Bill Johnson, Wellman Braud, Steve Brown e poi Milt Hinton hanno iniziato a suonare alcuni versi in tutte e quattro le battute, che dava alla musica un movimento in avanti che la tuba non poteva creare. Linee più complesse erano più facili da suonare con il contrabbasso e molte tecniche potevano essere utilizzate dai musicisti, tra cui il plucking, lo slap e il bowing. Verso la metà degli anni ’30, il contrabbasso divenne definitivamente la prima scelta per suonare le linee di basso in una band jazz. Prima del 1940 molti musicisti suonavano sia la tuba che il contrabbasso cercando di aumentare le possibilità di lavoro, e la stessa cosa accade oggi con i musicisti che sanno suonare abilmente contrabbasso e basso elettrico. Il contrabbasso jazz all’inizio era normalmente incordato con corde di budello e con un’action alta, quindi i musicisti potevano usare alcune tecniche che producevano un volume maggiore come lo slap.

Lo sviluppo dello strumento come voce solista è diventato chiaro con musicisti come Jimmy Blanton, Leroy “Slam” Stewart, che suonavano sia arco che pizzicato, mostrando una tecnica altamente sviluppata e una grande facilità di articolazione. Successivamente l’avvento del bebop nei primi anni ’40 portò a ulteriori progressi nel suonare il contrabbasso jazz grazie a Oscar Pettiford, Ray Brown, Paul Chambers prima e poi con Red Callender e Charles Mingus.Negli anni Cinquanta vennero usate corde d’acciaio e nuovi dispositivi di amplificazione che divennero nuove frontiere per il contrabbassista. In questa ricerca, i musicisti iniziano a trovare nuovi ruoli di accompagnamento e a sviluppare le proprie capacità tecniche come solisti.

I contrabbassisti jazz iniziarono a usare accordature diverse (Red Mitchell accordava il basso in quinte, un’ottava sotto il violoncello). Le opzioni di Michell risultano molto interessanti perché questa era l’accordatura originale del contrabbasso. Altri sviluppi riguardavano la tecnica della mano destra e sinistra: il classico Simandl sinistro e posizione è stato abbandonato da alcuni musicisti che hanno iniziato a usare la diteggiatura del basso elettrico che consente ai musicisti di suonare più velocemente.Nello stile pizzicato della mano destra c’è stata una rivoluzione quando i musicisti hanno iniziato a suonare con due o tre dita che consentono loro di produrre linee molto veloci.

Alcuni bassisti di Bill Evans come Scott LaFaro, Gary Peacock, Eddie Gomez e in seguito Marc Johnson sono stati molto efficaci in questo campo e il bassista danese Niels-Henning Orsted Pedersen è stato un ottimo esempio di tecnica della mano destra con tre dita. Il leggendario Ron Carter è uno dei bassisti più registrati di tutti i tempi; la sua voce unica sullo strumento, l’ottima sensazione del tempo e il suono personale lo hanno reso una figura chiave nello sviluppo del jazz. Dopo gli anni Cinquanta il contrabbasso ha assunto uno status di solista importante negli stili di jazz free e avantgarde, con Dave Holland, Charlie Haden, Jimmy Garrison, Richard Davis, Barre Phillips, Miroslav Vitous, Eberhard Weber, tra gli altri, hanno esteso le potenzialità del contrabbasso utilizzando armonici, double stop, metodi percussivi per produrre suoni su archi e corpo.

Con i nuovi trasduttori ed effetti amplificati, un intero nuovo mondo di possibilità è stato aperto ai contrabbassisti. Alcuni dei nomi contemporanei più acclamati nel suonare il contrabbasso jazz sono Stanley Clarke, Jhon Patitucci, Christian McBride, Avishai Cohen. Tutti suonano anche il basso elettrico.

Il basso elettrico

All’inizio i contrabbassisti jazz suonavano senza amplificazione; questo è il motivo per cui la sua funzione percussiva era davvero importante, più che l’accordatura perfetta tra le note. Le implicazioni armoniche del contrabbasso erano subordinate alla sua funzione ritmica. Il contrabbasso è uno strumento grande, difficile da trasportare e difficile da suonare intonato; tutti questi fatti hanno creato la volontà di costruire uno strumento più accurato che potesse essere amplificato e manipolato.

Nel 1951 Leo Fender costruì il “Fender Precision Bass”, che molti credevano fosse il primo basso elettrico costruito, ma questa informazione non era legittimata dai fatti storici.

In varie culture possiamo trovare la presenza di strumenti che hanno ispirato la creazione del basso elettrico moderno, come la balalaika russa, il bouzouki greco o il guitarron messicano tra gli altri.

Il primo strumento che possiamo collegare al basso elettrico moderno è il Gibson Mandobass che era il membro più grande della famiglia dei mandolini. Mentre alcuni costruttori creavano strumenti di grandi dimensioni per ottenere un suono di basso migliore, Lloyd Loar, che era un ingegnere Gibson, ebbe un’idea diversa e usò l’elettricità per far suonare più forte i piccoli strumenti.

Nel 1924 costruì un prototipo di basso “stick” che era abbastanza simile al moderno contrabbasso elettrico. Il pickup era un trasduttore elettrostatico montato in una scatola di bachelite sotto il ponte.

A Gibson l’idea non piaceva, e quando il progetto fu rifiutato, Loar lasciò l’azienda per creare il Vivi-Tone, dove anche il prodotto non fu mai sviluppato, ma l’idea di amplificare lo strumento c’era ed era quella giusta . Nel 1930 apparve il Regal Bassoguitar, anch’esso una specie di contrabbasso elettrico, poi il Dobro Resonator Bass e il Vega Electric Bass Viol. Il Rickenbacker Electro Bass Viol aveva la particolarità di un corpo in metallo e pickup a ferro di cavallo, poteva essere attaccato alla parte superiore del suo amplificatore e la connessione endpin-amp includeva anche il jack di uscita. Alla fine degli anni ’30 Gibson realizzò un modello chiamato Electric Bass Guitar che era simile al moderno basso elettrico. È stato amplificato con un pickup ma è stato suonato verticalmente; infatti aveva un puntale.

Gibson ha realizzato due di questi prototipi; Il bassista di Les Paul, Wally Kamin, ne ha suonato uno. Tutti questi strumenti venivano ancora suonati verticalmente come un contrabbasso. Paul Tutmarc, un chitarrista hawaiano, insegnante e creatore di Audiovox, ha realizzato e prodotto il primo basso elettrico come lo conosciamo oggi, il Model 736 Electronic Bass, solid body suonato orizzontalmente.

Nel 1936 Audiovox costruì impianti elettrici e Audiovox Model 736 Electronic Bass era uno di questi; ne sono stati prodotti un centinaio ma era in anticipo sui tempi e non ci fu alcun impatto commerciale. Dieci anni dopo, il figlio di Paul, Bud, costruì il Serenate String Bass che condivideva quasi tutte le caratteristiche del modello 736, ma non fu neanche un successo.

(Estratto della tesi di laurea di Massimo Cavalli)

I modi della scala pentatonica al basso elettrico

LA SCALA PENTATONICA MAGGIORE

Una scala pentatonica è una scala di cinque note. “Penta” in greco significa 5. La scala pentatonica maggiore si usa molto spesso nel rock, nel country, nel blues e in tantissimi altri stili musicali.

Gli Allman Brothers hanno sempre fatto grande utilizzo di questa scala.Il loro brano “Jessica” ne è un esempio tipico. Anche la melodia e gli assoli per chitarra nel brano sono derivati dalla pentatonica.

Questa scala si può utilizzare su triadi maggiori o accordi di settima maggiore.

La scala pentatonica maggiore usa la tonica, il secondo grado,il terzo grado, il quinto e il sesto di una scala maggiore.

La pentatonica maggiore può essere suonata iniziando su qualsiasi delle cinque note. Quando si esegue la scala iniziando dalla tonica, è possibile pensare a quel grado come modo di quella scala; quando si suona cominciando dal secondo grado è possibile pensare a questo come secondo modo della scala e così via.

Pensare in modi è importante per poter derivare delle diteggiature. Vi sono 5 diteggiature o posizioni diverse della scala pentatonica maggiore.

LA SCALA PENTATONICA MINORE

La scala pentatonica minore viene comunemente usata nel blues, nel rock e in moltissimi altri stili musicali. È probabilmente la scala più ampiamente usata nella musica moderna ed in qualità di bassisti è un dovere conoscerla.

La scala pentatonica minore è formata dalla tonica, b3, 4, 5, b7 di una scala maggiore.

Come la scala pentatonica maggiore, la pentatonica minore può essere suonata iniziando da uno qualsiasi dei 5 gradi della scala dando luogo così alla formazione dei suoi 5 modi.

La scala minore pentatonica è ideale per suonare il blues. La ragione sta nel fatto che include due importanti note blue: la b3 e la b7.

Queste due note hanno una qualità blues particolare sugli accordi maggiori della struttura blues.

Come bassisti, il nostro compito è quello di sottolineare l’accordo del momento piuttosto che suonare una scala ma spesso ci scontriamo con riff da eseguire come in brani come “Day tripper” dei Beatles, “Sunshine of your love” dei Cream, “Enter sandman” dei Metallica costruiti proprio con il loro utilizzo.

Buona musica!

Se volete imparare o approfondire la lettura in chiave di Fa vi consiglio questo eccellente libro didattico che troverete cliccando al link https://amzn.to/3tj5lp3

Ron Carter: building jazz bass line

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Ron Сaгtеr is оnе of thе most impoгtаnt bаss playегs, lеadеrs, сomposегs in iazz. Boгn in Miсhigan in l9З7, hе oгiginally tооk up the сеllo at thе agе of tеn, with thе intеntion of plауing сlassiсal musiс. At 17, hе tооk up thе bаss. He attеndеd thе Еastman Sсhoоl оf Мusiс, гесеiving his Baсhеloг of Musiс dеgгее in 1959. Hе wеnt to NеwYoгk, playеd with thе Сhiсo Нamiltоn Quintеt, and еnгollеd аt thе Manhattаn Sсhool of Musiс, whеге hе еагnеd his Mastегs dеgгее ln 1961. Aftег lеaving thе Hamiltоn gгoup,hе fгееlаnсеd in Nеw Yогk, whеге hе not only playеd with Dоn Ellis, Randу Wеston, Thеlоnious Monk and Aгt Fагmег, but playеd numегоus television and гесoгding dates. In 196З, hе joined Milеs Davis’s quintet and stаyеd until 1968. It is gеnегally асknowlеdgеd that this еnsеmblе, with Wаynе Shoгtег, Hегbiе Hanсoсk and Tony Williams, was not only onе оf Davis’s finеst gгoups, it was onе of thе
most importan jazz gгоups in thе histoгy оf thе musiс. Thе bаnd гесoгdеd sеvегаl albums аnd touгеd all ovег thе woгld.
Whilе соntinuing to bе onе of thе most in-dеmand bаssists foг гесогding sеssions of all typеs, hе has lеd many groups of his own to woгldwidе ассlaim. Сaгtег inlгoduсеd thе piсcolo bаss (an instгumеnt onе haif thе sizе of thе геgulaг aсoustiс bass) so that hе сould stand out as thе lеadег of his еnsеmblеs.
Hе hаs аppеaгеd on thousаnds оf albums as еithег гhythm Sесtion playеr, сomposег, arгangег and/oг
pгoduсег. Нis сompositiоns inсludе thе Gгammy winning “Саll Stгееt Bluеs,” fеaturеd in thе mоtion
piсtuге Round Midnight. Hе is thе authoг of sеvегal books оn bass tесhniquе, and is a rеspесtеd and
populаг tеасhег, сurгеntly Distinguishеd Ргofеssoг of Musiс аt сity Cоllеgе of Nеw Yoгk. Studеnts havе
соmе from аll ovег thе woгld to study with a master of thе instгumеnt and а bгilliant accompаnist, сеlеbrаtеd foг his flawlеss time and hагmoniсаlly and гhythmiсally гiсh linеs.

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Corde per basso elettrico: quali scegliere?

Il suono del basso elettrico dipende da una serie di fattori che spazziano dal tocco delle dita, al tipo di legno impiegato per la costruzione dello strumento, ai pick-up, all’ amplificazione e non ultimo per importanza alle corde.

Le corde rivestono un ruolo importante nella determinazione del suono e spesso la loro scelta si basa su tentativi ed esperienza.

In questa guida proverò a fornire una panoramica generale sulle tipologie di corde più utilizzate, cercando di facilitarvi il compito della loro scelta.

Corde in nichel

Le corde in nichel forniscono una buona vibrazione, il che significa un maggiore sustain.

Hanno un suono brillante ed hanno una discreta morbidezza. Generalmente vengono utilizzate per generi come il Rock e il Pop ma chiaramente nessuno vieta che si possano usare anche per gli altri.

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Corde in acciaio

Hanno un suono buono sulle frequenze basse e medie. Sono molto utilizzate nel funk perché si prestano bene allo slap e sono state spesso utilizzate in passato per la loro caratteristica di unire il suono frizzante dell’acciaio alle buone sonorità sulle corde gravi.

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Corde lisce

Le corde lisce o flat wound hanno un suono caldo che ricorda quello del contrabbasso, sono morbide e generalmente vengono utilizzate nel soul.

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Corde in nylon

Spesso usate al basso acustico, hanno un suono caldo e medioso e sono molto morbide.

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Altro aspetto importante per la scelta delle corde è la loro dimensione (scalatura).

In genere, la scalatura standard è 045 per la corda del sol (G) e 105 per la corda del mi (E), ma vengono anche utilizzate scalature 040/100 e 045/125 per bassi 5 corde, ecc.

Più le dimensioni delle corde sono maggiori, più forniscono un suono grosso e più forza bisogna impiegare per suonarle.

Per concludere, spero di avervi aiutato nella scelta delle vostre corde, consapevole del fatto che il suono è una peculiarità personale che esprime, assieme a ciò che eseguite sul vostro strumento, il vostro essere.

Buona musica!

“ELECTRIC BASS STRINGS: WHICH TO CHOOSE?”
The sound of the electric bass depends on a series of factors that sweep from the touch of the fingers, to the type of wood used for the construction of the instrument, to the pick-ups, to the amplification and last but not least to the strings.

Strings play an important role in determining the sound and their choice is often based on trial and experience.

In this guide I will try to provide a general overview of the most used types of strings, trying to facilitate the task of their choice.

Nickel strings

The nickel strings provide good vibration, which means greater sustain.

They have a bright sound and have a decent softness. Generally they are used for genres such as Rock and Pop but clearly no one forbids that they can also be used for others.

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Steel ropes

They sound good in the low and mid frequencies. They are widely used in funk because they lend themselves well to slap and have often been used in the past for their characteristic of combining the sparkling sound of steel with good sounds on low strings.

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Smooth ropes

The smooth or flat wound strings have a warm sound reminiscent of that of the double bass, are soft and are generally used in soul.

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Nylon ropes

Often used on acoustic bass, they have a warm and medium sound and are very soft.

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Another important aspect for the choice of strings is their size (scaling).

Typically, the standard scale is 045 for the G string and 105 for the E string , but 040/100 and 045/125 scales are also used for 5-string basses, etc.

The larger the size of the strings, the more they provide a thick sound and the more force you need to use to play them.

To conclude, I hope to have helped you in choosing your strings, aware of the fact that sound is a personal peculiarity that expresses your being, together with what you play on your instrument.

Good music!

Shred Bass per bassisti tosti

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Chitarristi come Malmsteen, Vai, Govan, hanno sviluppato e migliorato queste tecniche facendole diventare indispensabili per le sonorità Rock/Metal.

Negli ultimi anni anche nel mondo bassistico queste tecniche vengono utilizzate, aggiungendo così nuova linfa a questo meraviglioso strumento.

Diventare uno shredder vuol dire arricchirsi di tecniche eccezionali che sicuramente vanno bene per il metal ma tornano utili in generi diversi come la fusion, il Jazz moderno e il pop.

Lo shred non permette scorciatoie, non ci sono trucchi, c’è solo dietro tanto impegno, duro lavoro e tanta pratica.

Cosa vuol dire essere uno shredder?

Vuol dire saper applicare tecniche come tapping, sweep, arpeggi, slap, legati al basso elettrico suonando veloce e pulito. Importantissimo per queste tecniche è l’impostazione delle mani: le dita della mano sinistra devono essere il più possibile vicino alla tastiera in modo da poter diteggiare il più velocemente possibile e non sprecare energie in movimenti inutili, la mano destra deve rimanere rilassata in modo che si possa passare senza fatica dal pizzicato al tapping o allo slap.

È bene allenare la forza e la resistenza della mano tramite il legato ed allenare le dita, anche quelle più deboli, in modo che abbiano la stessa pressione sulle corde.

Nel mondo molti bassisti hanno fatto di questo modo di suonare la loro caratteristica e peculiarità ed anche in Italia ci sono eccellenti esponenti di questo stile.

Tra tutti c’è sicuramente l’eccezionale Dino Fiorenza!

Dino Fiorenza è un bassista catanese con la B maiuscola che non ha nulla da invidiare ad altri bassisti Rock/Metal forse più famosi.

Attraverso la sua musica e la sua didattica ha contribuito notevolmente allo sviluppo di queste tecniche al basso elettrico. Vanta esperienze musicali di notevole importanza e nel 2002 viene ufficialmente candidato, assieme a nomi del calibro di Flea, Les Claypool, Stu Hamm come miglior bassista dell’anno.

I suoi libri didattici sono davvero fatti bene, con esempi pratici che facilitano l’applicazione spesso complicata di tecniche come il tapping e lo slap.

Nei suoi metodi Dino Fiorenza mette tutta la sua esperienza come uomo e didatta a disposizione degli altri e con grande altruismo spiega passo dopo passo come raggiungere gli obiettivi tecnici che spesso richiedono anni di duro impegno e studio.

Se volete approfondire e diventare dei veri e tosti shredder, nei link che ho inserito qui di seguito, troverete i suoi metodi didattici che sono davvero la pista di lancio per diventare dei grandi bassisti Rock/Metal e non solo!

Buona musica!

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Manuale di basso percussivo link https://amzn.to/3sYYVuT

Tap me Up link

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Guitarists like Malmsteen, Vai, Govan have developed and improved these techniques making them indispensable for Rock / Metal sounds.

In recent years these techniques are also used in the bass world, thus adding new life to this wonderful instrument.

Becoming a shredder means enriching yourself with exceptional techniques that are certainly good for metal but come in handy in different genres such as fusion, modern jazz and pop.

The shred does not allow for shortcuts, there are no tricks, there is only a lot of commitment, hard work and a lot of practice behind it.

What does it mean to be a shredder?

It means knowing how to apply techniques such as tapping, sweep, arpeggios, slap, related to the electric bass playing fast and clean. Very important for these techniques is the setting of the hands: the fingers of the left hand must be as close as possible to the keyboard so that you can fingering as fast as possible and not waste energy in unnecessary movements, the right hand must remain relaxed so that you can easily switch from pizzicato to tapping or slap.

It is good to train the strength and endurance of the hand through the legate and train the fingers, even the weakest ones, so that they have the same pressure on the strings.

In the world many bass players have made this way of playing their characteristic and peculiarity and also in Italy there are excellent exponents of this style.

Among all there is certainly the exceptional Dino Fiorenza!

Dino Fiorenza is a bassist from Catania with a capital B who has nothing to envy to other perhaps more famous Rock / Metal bassists.

Through his music and his teaching he contributed greatly to the development of these techniques for the electric bass. He boasts musical experiences of considerable importance and in 2002 he was officially nominated, along with names of the caliber of Flea, Les Claypool, Stu Hamm as best bassist of the year.

His didactic books are really well done, with practical examples that facilitate the often complicated application of techniques such as tapping and slap.

In his methods, Dino Fiorenza puts all his experience as a man and teacher at the disposal of others and with great altruism explains step by step how to achieve the technical objectives that often require years of hard commitment and study.

If you want to learn more and become a real and tough shredder, in the links I have inserted below, you will find his teaching methods that are really the launching pad to become great Rock / Metal bass players and more!

Good music!

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